[Kim Daesik·Kim Hyeyeon 的 AHA] AI 时代，照片仍然记录情感吗
⑮ 摄影师 Kim Yongho
[Kim Daesik·Kim Hyeyeon 的 AHA] ⑮ 摄影师 Kim Yongho
在记录与创作之间，追问摄影的本质
Kim Yongho 是一位自由跨越商业摄影与艺术摄影边界、通过摄影这一媒介凝视时代的韩国代表性摄影师之一。他极为罕见地同时覆盖企业广告与艺术展览，构筑起独创的视觉语言；在捕捉人物时，他不仅呈现外形，更将情感与时代的肖像一并纳入画面。
他与 VOGUE、BAZAAR 等世界级时尚杂志，以及现代汽车、Hyundai Card、KT、LG 电子、GUCCI 等代表韩国的企业和全球品牌合作，将品牌的身份与价值转化为具有深度的视觉图像。
他将摄影定义为“并非单纯的记录，而是情感的演绎与对时代的思考”，并通过持续举办为 Nam June Paik、Park Seobo 等大师聚光的“韩国文化艺术名人展”，不断巩固自己作为艺术摄影师的存在感。
最近，他通过 GUCCI“韩国文化月”宣传活动摄影展《两个故事》，以全新的视角重新聚焦 Kim Sooja、Park Chanwook、Ahn Eunme、Cho Seongjin 等韩国文化艺术界四位大师而备受瞩目。2022 年，他出版了承载自己摄影哲学的著作《Photo Language（摄影语言）》，2023 年又以电影《de Vermis Seoulis》导演身份出道，进一步拓展了自己的创作谱系。
在 AI 正在打破图像边界的今天，Kim Yongho 仍在抛出最根本的问题：“这个场景，是以谁的情感拍下的？”
摄影师 Kim Yongho 在首尔瑞草区蚕院洞的办公室与教授 Kim Daesik、舞蹈家 Kim Hyeyeon 进行对谈。记者 Cho Yongjun 提供
View original image－有没有什么特别的契机，让您选择了摄影这一媒介？
▲其实我小时候从没怀抱过“要成为摄影师”的梦想。只是家里偶然有一台相机，而我刚好会用而已。与其说是下定“我要做摄影”的明确决心，不如说更接近于：当必须要做点什么时，我本能地知道自己该做什么。就这样，自然而然地与摄影相遇。
回过头看，童年的我并没有特别用功读书，但如今想来，从很久以前开始，我就已经在无意识中积累“拿着相机看世界”的训练。与其说有某个契机或戏剧性的瞬间，不如说是顺着感官流淌般延续的人生，自然而然与摄影这一媒介相遇。我一直试图填补自身的不足，并不断推进，直到那份不足被填满。就这么一路走来，不知不觉就来到了今天这个位置。
摄影师 Kim Yongho 在首尔瑞草区蚕院洞的办公室与教授 Kim Daesik、舞蹈家 Kim Hyeyeon 进行对谈。记者 Cho Yongjun 提供
View original image－您同时从事商业与艺术摄影，是如何建立起独立的创作世界的？
▲与其说是严格规划后的结果，我更认为那是一次次在当下所处情境中竭尽全力生活过来的时间总和。即便在商业上极为忙碌的时期，我也从未中断过美术摄影创作。个人展览等活动与收益无关，但我反而是通过广告工作获得的收入，挤出时间持续进行艺术创作。
为 Nam June Paik 老师拍摄作品时，虽说有赞助项目，但实际上我的个人支出要多得多。不过，正是那些倾注了热情、时间与努力的项目，后来意外衍生出别的工作机会，或成为受邀参加优质展览的契机。
相反，广告摄影从本质上讲，是要满足客户的需求，并清晰传达信息。这本是理所当然的事，但我一直想要超越这些要求。我并不满足于单纯完成指示，而是抱着“我要给你看见你还没想到的图像”这种心态去接近工作。
例如在与 Hyundai Card 合作时，我做的不是简单制作图像，而是从货币史开始研究，深入探究品牌所承载的象征与符号学。由此诞生的成果既是广告，又作为具有艺术叙事的独立图像得以完成。最终，我在往返于两个世界的过程中得到的确信是：无论采用何种方式，作品中都必须注入“真心”。看上去像艺术的广告、以广告方式运作的艺术？在那条边界上保持平衡，正是构建我个人创作世界的核心。
摄影师 Kim Yongho 在首尔瑞草区蚕院洞的办公室与教授 Kim Daesik、舞蹈家 Kim Hyeyeon 进行对谈。记者 Jo Yongjun 提供
View original image－对您来说，摄影是记录还是创作？
▲人们常说摄影是“捕捉刹那的艺术”。但即便是那一刹那，其实也可能是经过长时间准备与深思熟虑后诞生的结果。有时，连那极短的瞬间也是彻底计算过的。尤其是人物摄影，绝不是可以即兴拍摄的类型。
比如，我去纽约为 Nam June Paik 先生拍摄时，在出国前就把相关传记与资料全部读了一遍。为企业董事长拍摄时也一样，我会事先了解对方的成长背景、家庭关系以及企业哲学，努力在拍摄前建立起对人物的充分理解。以这样的理解为基础，为被摄主体营造一个能够自然流露情感的环境——我认为这就是摄影师的调度与体贴。
当然，摄影是瞬间的艺术，捕捉“活生生的对象此刻的瞬间”的感知同样重要。但为了让那一刻熠熠生辉，需要无数时间的研究、忍耐与事前准备。正是这些努力，孕育出瞬间的美学。归根结底，摄影并非只是按下快门的行为，而是将为某一个瞬间而长期积累的时间与感官，凝缩在画面中的艺术。
－从胶片到数码，再到生成式 AI，摄影所处的环境发生了变化，对您的创作产生了怎样的影响？
▲我对技术变革并没有产生过什么强烈的抵触感。从胶片转向数码时，我的感受就像从慢车换乘特快列车。速度更快了，工作效率也得到了飞跃式提升。如今的 AI 技术也是如此。我认为变化不是恐惧的对象，而是时代提供的一种新工具。
不过，最近在京都旅行时，有一个瞬间让我重新思考起超越技术之上的某种感受。日本不同铁路公司之间，列车内部设计各不相同。有的列车使用天鹅绒材质座椅，以深绿和紫红色调打造古典风格的内饰，在一般公共交通中很难看到如此高级的材料，给我留下了深刻印象。那景象真是极为雅致，同时也在我心中留下了悠长余韵。
置身于那样的风景中，我忽然意识到：这或许正是情感与理性共存时代的一种姿态。技术今后还会不断进化，但其中是否蕴含人的情感、态度与时代精神？在我看来，这才是更重要的。
无论高铁多么快速便捷，仍然有人会选择颠簸的慢车。因为其中蕴含着超越速度的感官、浪漫、记忆与情感。我认为摄影也是如此。无论技术多么精密，最终重要的仍是“人如何感受、又如何将这种感受记录下来”的人类本源感官。
－在人人都用手机拍照的时代，您仍然执着于“一张照片”，原因是什么？
▲如今，任何人每天都会拍下几十、上百张照片。所以常常有人说“照片已经失去稀缺性”。这也意味着技术已经高度大众化。但即便技术普及，也不代表所有照片会变得一样。打个比方吧：每个人都会做饭，但我们依然会去餐厅用餐，因为我们期待的是与家常菜不同的味道与完成度。
当然，价格或便利性也许是原因之一，但归根结底，是因为人们想要体验“出自某个人手中的独特感受”。摄影亦然。你或许会想：“谁拍都差不多吧。”但现实完全不同。摄影并非单纯的技术问题，而是感官与艺术的问题。因此，我至今仍然相信“一张照片的力量”。
即便拍的是同一个人，由谁来拍、用怎样的视角、抱着怎样的心境去拍，所呈现的世界都会截然不同。比如假设我为舞者、编舞家 Kim Hyeyeon 拍照，我并不是只拍跳舞的身体，而是试图捕捉她在舞台上化身为作品中人物的那一刻，去抓住那份情感的纹理。画面中呈现的不仅是动作，而是她作为一个鲜活叙事的情感主体的存在。这才是摄影超越记录、成为情感艺术的节点。
人们往往把相机看作“把我想要的东西装进画面里的工具”。但总有一天，你会在一个完全未曾预想的场景前，体验到与相机与自我彻底合一的瞬间。仿佛连自己都尚未意识到的情感，通过快门显露出来。那一刻才是真正作品诞生的时刻。那不是单靠技术就能造出的东西，而是那天的情绪、想法、天气、身体状态……一切综合作用之下，只有“那一天的我”才能拍出的独一无二的画面。正因为这种可能性，我至今仍愿把心全部押在一张照片之上。
－您如何看待 AI 与艺术之间的关系？
▲当 Marcel Duchamp 把一个小便池搬进美术馆时，那件东西就成了艺术。但如果后来有人重复同样的行为，那就只是“模仿”与“再现”而已。归根结底，重要的是“是谁、在何时、为何第一次那样做”，以及其中所蕴含的语境与意图。
AI 创造的作品也的确可以达到一定水准以上的质量，技术上完成度高、生成速度快。但我觉得，在缺乏情感与语境的图像中，很难蕴含真正的感动。无论画面多么流畅精致，如果缺乏关于“这幅图像为何、又如何存在”的叙事，就很难打动人心。
AI 在速度上具有压倒性优势。几乎不需要物理时间，因此在价格或收藏价值等问题上，必然会引发混乱。相对而言，模拟（胶片）创作则不同，一件作品可能需要数月，甚至数年才能完成。那段时间与心血所承载的感动，远不止一个“结果物”。那就像由时间与存在层层堆积而成的一层真实。我认为，这也是我仍然坚持用胶片相机创作的原因所在。
在我看来，艺术不仅止步于作品本身，还包括人们欣赏它的方式。想想舞蹈演出或古典音乐会，我们所观看的并不只是声音与动作。与谁同行、如何打扮、坐在座位上翻阅节目册的瞬间，以及以掌声迎接谢幕的整个过程，都是艺术的一部分。这既是形式，也是情感，更是对创作这场演出的人们的一种尊重与礼仪。
我相信，这种姿态正是 AI 无法替代的艺术本质。归根结底，艺术不是结果物，而是“关系的感知”——也就是说，只有在时间、人与情感交汇的节点上，艺术才真正获得生命力。
与其他艺术门类相比，摄影的进入门槛相对较低。与雕塑、音乐、绘画等需要漫长修炼与时间的艺术不同，只要有一台相机，任何人都可以立刻拍摄，甚至尝试办展览。从这一点来看，我认为 AI 与摄影具有相似属性。如今已进入一个任何人都能轻松接近，并迅速产出结果的时代。但门槛低，并不意味着结果会被拉平。在其中依然会有拥有压倒性感知与视角的创作者存在。最终，关键不在于工具，而在于使用工具之人的态度与深度。
我自己在创作中也会使用 AI。以前我必须无条件跑到现场去勘景，等待光线与时机。但现在，在企划初期阶段，我会借助 AI 对场景进行模拟。在没有时间与空间限制的前提下对创意进行结构化，这无疑是一个巨大优势。
但我并不认为数字技术会完全取代模拟技术。相反，我觉得两者会在碰撞与重叠之中，在中间某个地带孕育出新的创作方式——一种将模拟的感性与 AI 技术有机融合的、全新的艺术语言。而当下，正是试验这种可能性的有趣时刻。
摄影师 Kim Yongho 在首尔瑞草区蚕院洞的办公室与教授 Kim Daesik、舞蹈家 Kim Hyeyeon 进行对谈。记者 Jo Yongjun 提供
View original image－如果没有经济与时间上的任何限制，您最想创作怎样的一件作品？
▲如果完全不存在经济与时间的限制，那……或许最终还是“长生不老”吧。每当听到秦始皇派使臣远赴海金刚（今日本一带）寻找不老药的故事，我多少能理解那份执念。毕竟，人类最渴望的资源，归根结底就是“时间”。
我有时也会这样想：“要是有时光机就好了。”但有人曾这样说过：“如果真的有时光机，来自未来的人现在应该已经到处乱跑了吧？”听到这话，我也点了点头：“啊，原来如此，这事恐怕是不可能的。”
所以，最现实的想象反而是“冷冻人”吧？也许某一天技术更加发达时，还能再度苏醒。我认为，“想要看见未来的心情”本身，就与艺术的本能十分相似。拍照、拍电影、留下记录，说到底，都是想要抓住“现在这一刻”的欲望的表达。
因此，我觉得自己现在也正在创作那“唯一的终极作品”。当下拍摄的照片、正在进行的创作、此刻讲述的故事，终将停留在时间的缝隙中，成为某天被某人发现的“未来场景”。这就是我创作的目的与方向。
我在为企业 CEO 拍摄时，也总会这样说：“请想一想你的未来。”很多人对拍照感到不自在或尴尬，但听到这句话后，表情就会发生变化。在短暂回想自己走过的时间与即将面对的未来的那一刻，眼神会变得不同。那时我就会确信：“啊，此刻我正在拍摄这个人的‘未来’。”那不仅是一张照片，而是一个像时光机般逆行时间、记录情感的瞬间。
摄影师 Kim Yongho 在首尔瑞草区蚕院洞的办公室与教授 Kim Daesik、舞蹈家 Kim Hyeyeon 进行对谈。记者 Jo Yongjun 提供
View original image－如果要给刚开始接触摄影的年轻一代一些建议，您会说什么？
▲老实说，我很难给出诸如“这个千万别做”之类特别明确的忠告。因为我自己也曾多次重复犯同样的错误，有时甚至会想：“这大概就是命吧？”但可以肯定的是，无论做什么，最终只能靠“认真去做”这一条路。
我有一句非常喜欢的话：“少年易老，学难成，一寸光阴不可轻。”年轻人很快就会老去，学问却难以成就，一寸光阴都不可轻易虚度。年轻时，这句话或许听不太进去，但随着时间流逝，就会愈发深刻地理解其中含义。如果能持续不断地学习自己喜欢的领域，总有一天会找到属于自己的答案。
还有一点，“会玩”也非常重要。这里不是指漫无目的地消磨时间，而是要专注、意义明确、有效率地去享受生活。从这个过程中获得的经验与感知，最终会成为构筑个人创作世界的土壤。
最后，我一定要强调的是“经典”。过去那些曾被我视为单纯观光地的地方，如今已作为承载人类历史与文化的场所向我靠近。去纽约时，我当然也会去现代艺术博物馆 MoMA，但最终总会待在大都会艺术博物馆的时间更长；在巴黎，我也会去蓬皮杜艺术中心，但最后还是会在卢浮宫停留更久。现代美术馆固然很好，但在国立中央博物馆感受韩国艺术的根基，又是完全不同的体验。
归根结底，真正创作的答案在经典之中。在瞬息万变的时代，理解“不变的本质”的力量，可以从学习、经验以及对经典的汲取中获得。希望大家不断积累这种力量，走出属于自己的一条路。
Kaist 电气及电子工程系教授 Kim Daesik·编舞家、Yeonist 代表 Kim Hyeyeon
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