[本周展览] Won Beomsik“建筑雕塑原始地面：那浪漫型艺术”·Kim Minho“存在的扩张”等

by Kim Heeyun

Published 12 Nov.2024 17:14(KST)

编者按本周展览从全国各地正在进行的展览中，梳理并介绍一周之内可以观展的多样而富有魅力的项目。

▲Won Beomsik 个展“建筑雕塑 Original Ground – 其浪漫型艺术” = The Trinity at Grand Hyatt Seoul 正在举办艺术家 Won Beomsik 个展“建筑雕塑 Original Ground – 其浪漫型艺术”。Won Beomsik 广泛学习了工艺美术、摄影、纯艺术媒体等领域，之后推出“建筑雕塑”系列作品，曾获得国内摄影界最高权威奖项——Ilwoo 摄影奖，并入围英国摄影家协会奖决赛，在海内外艺术界备受瞩目。

元范植_archisculpture010_2012_70x100或120x171cm [图片提供 = The Trinity]

艺术家的“建筑雕塑”作品，就像收藏家对藏品进行分类与整理一样，他亲自拍摄并收集的多座建筑被加以分析，并根据创作意图进行精巧的拼贴。承载社会历史象征意义的各类建筑汇聚在一起，重生为一件美丽的雕塑作品。

本次展览标题为“建筑雕塑 Original Ground”，“其浪漫型艺术”为副标题。过去他的作品多以草坪等单纯自然景观为背景，以凸显建筑雕塑的“雕塑性”意义，而本次展览则为了呈现建筑物所蕴含的社会文化语境，更加聚焦于建筑物及其所在地点的意义。道路上的车道线、建筑材料、路牌、信号灯、汽车、行人等日常元素与建筑雕塑相互连接，构成一部更为丰厚、承载诸多现实细节的“纪录片”。

元范植 archisculpture050c_2016_100x70或171x120厘米。[图片由 The Trinity 提供]

艺术家表示：“建筑雕塑是通过组装名为建筑物的材料所承载的象征，来创造出虚拟的雕塑作品，并由此唤起人类内在关于美的认知。最后，它又在观者心中生成多样的感受与思考。因此，若依据黑格尔美学中，根据构成艺术作品的实在（物质）与概念（精神）比例，将建筑划为象征性（Symbolic）、雕塑划为古典性（Classical）、绘画与诗歌文学等划为浪漫性（Romantic）等艺术范畴，那么，以建筑物为材料来形塑雕塑作品，并重视其中涌现出的多样精神性的‘建筑雕塑’，便超越了象征与古典，已然不能不说是一种浪漫的建筑雕塑。”展览持续至本月29日，地点为首尔龙山区小月路 The Trinity at Grand Hyatt Seoul。

Is, Don't Series 11。CDA提供

▲Yyth 个展“Don’t” = 位于圣水洞的 CDA 正在举办艺术家 Yyth 的个展“Don’t”。艺术家将充满混乱的过去时光中支撑起自我的那些瞬间场景打碎，并转化为图像。

艺术家以直面对象的本质实体为目标进行创作。通过费力的、劳动密集的“描绘”方式，他试图抵达的对象虽然真实存在，却又无实体，它们停留在曾经将自己推入混乱的那一段时光里。那些本应随着时间流逝而被遗忘、仿佛蒙尘陈旧的记忆偶尔浮现时，他也曾选择一味回避。愚昧地以为那样也无妨。面对（或不得不面对）的这些对象，他选择以绘画作为进行实体性接近、并借此实现遗忘（或哀悼）的工具。对这样默默累积了两年多创作的艺术家而言，本次展览与作品具有其自身的反省性意味。

伊斯 (Yyth)，Don’t Series 08，2024年，综合材料布面，89.4 x 130.3厘米 [照片提供 = CDA]

作为时代产物象征的多种图像被艺术家收集起来，他以此为基础，像剪辑般将其打碎重组，填满画布。他所参考的图像，大多与他试图通过绘画去直面的对象存在于同一时代。这正是其画面让人联想到八九十年代出现的漫画或动画的原因所在。乍看是平面，但各色块与形面之间微妙的质感差异，被解读为一种表达方式，源自他试图揭示绘画所欲抵达对象的多层面貌的意图。

此外，展厅中典型的长方形画框与打破这一形式的不规则画面混杂排列。这似乎是脱离一般被视为平凡稳定的惯常范畴的、艺术家独有人生片段的呈现。它既意味着源自“差异”的不完整与不稳定，同时也彰显出不依附于既有体系的、个性鲜明且独创的艺术家本人及其创作特征。

伊斯 (Yyth)，Don’t Series 02，2024年，综合材料布面，80.0 × 116.6厘米 [照片提供 = CDA供图]

通过作品终于凝视自我的 Yyth，如今安置在展厅墙面上，与观众及其周遭相对。他表示：“我将即便身处过去的混乱之中，仍能支撑自己的那些瞬间打碎，再将这些碎片图像化。”他也谨慎地期望，哪怕只有部分观众，也能通过观看作品，共享并体验他所经历的一系列自我反省。作为作品主题及展览标题的“Don’t”，蕴含着“不要对任何事物妄下判断，也不要畏惧”的信息。艺术家称，这同样是他向自己抛出的安慰。这一心愿将通过作品，传达给前来展厅的每一位观众。展览持续至本月30日，地点为首尔城东区峨嵯山路 CDA。

汉江边柳树—扩展的存在1 45x60cm 线条蚀刻拼贴 2024年。 [照片提供 = 西村TYA提供]

▲Kim Minho 个展“省察之木——存在的扩张” = Kim Minho 个展“省察之木——存在的扩张”正在西村 TYA 画廊举行。本次展览运用和纸（日本传统纸张）与铜版画技法，将自然与存在的边界表现得模糊不清，并以树木作为探究存在本质的重要象征。

在作品中，“线”是表现存在的根本要素。作为表现自然物的一种方式，线具有方向性，并蕴含位置、速度与能量。在以短而细的线条逐渐堆叠出树干与树枝的过程中，艺术家探究这些线条如何成为存在的最小单位以及承载生命力的要素。展览提醒观众，自然与存在的边界何其人为，并引导观众突破固化意义，发现不断变化的存在之可能性。

汉江边树木—扩展的存在 3 18x30cm 线刻融合拼贴 2024年。 [照片提供 = Seochon TYA]

铜版画因其材质特性，在运用上存在诸多限制。艺术家为克服这一点，利用既有版材，在极为薄、细腻且坚韧的和纸上进行印刷并进行拼贴。他解释道：“和纸在被精细印制的同时，又具有很高的透明度，当贴附在其他纸张上时，这种薄纸的物性几乎消失，仿佛直接在上面印制一般。”他说：“这种特性在拼贴创作中提高了图像之间的自然连结性。”

关于作品中的树木形象，艺术家表示，它已不再是固定再现的对象，而被呈现为一种拥有不断变化、并可成为他物之潜在力量的存在。他指出：“作品中可见的线条运动，犹如德勒兹所言的‘逃逸线（line of flight）’，不断脱离既有结构与意义，向新的意义与形态扩展。这并非单纯的形态变形，而是揭示存在本身的生成性本质。”