▲Austin Lee个展《PASSING TIME》= “Austin Lee身上带有一种神秘感，就像他在成为艺术家之前曾是一名拳击手一样。”（村上隆）
乐天美术馆将举办Austin Lee在韩国的首个个展《PASSING TIME》。Austin Lee是将传统绘画与数字技术相结合，开辟视觉艺术新类型而备受美术界瞩目的艺术家。本次展览以“时间旅行”为概念策划，旨在让观众回望自己在新冠疫情时代经历的复杂多变的情感。展览将展出以时间流逝中不断变化的情绪为主题的绘画、雕塑、影像等50余件作品。
这位艺术家在数字与模拟之间自由往返进行创作。其工作方式是先利用数字绘图构思图像，再将构思好的数字图像用喷笔绘制在画布上，或利用3D打印机将其具象为雕塑。仿佛将数字图像原封不动搬入现实的作品中，蕴含着喜悦、悲伤、爱、不安等复杂而微妙的情绪。艺术家通过探究难以轻易下定义的人性，引导人们去理解并共鸣彼此的情感。
《PASSING TIME》以“时间”为关键词，被策划为反思我们在疫情时代所体验到的复合情感的主题展览。展览伊始，先呈现因社会性隔绝而一切停滞的时间中，人类内心所经历的混乱。循环播放的媒介与音乐，将人们在生与死边界所感受到的混沌推至极致。向多条路径延伸的走廊被具象为巨大的钟表指针。在起点与终点模糊交错的空间里，以各种情感为主题的作品相互交织，呈现出生命的连续性。
艺术家通过作品对自己的内心进行深刻的自省，进而理解他人、分享失落的经验，引导彼此产生连接。观众将通过本次展览，直面自己的情绪，体验一次寻找心灵路标的时间旅行。展览至12月31日，在首尔松坡区奥林匹克路乐天美术馆举行。
![时空裸体.卽(170) A Space-Time Nude Identical. [图片由学古斋提供]](http://www.asiae.co.kr/news/img_view.htm?img=2023100122021993233_1696165339.jpg)
▲王舒野个展《认知的彼岸》= 学古斋正在举办王舒野个展《认知的彼岸》。王舒野出生于中国黑龙江省，1989年毕业于中国工艺美术学院（现清华美术学院）。1990年定居日本后，一直在国际舞台上活跃，是一位备受认可的艺术家。
古代中国美学中有一个名为“无弦”的概念。指的是没有琴弦的琴，意指无法将脑海中的理想音乐境界充分表达出来。因此，陶渊明以心而非以手来弹奏无弦之琴，并以心灵品味由此带来的喜悦。中国绘画美学中也有一个名为“无可绘”的概念，意指不可描绘之境。无论画得多么精细，终究只归属于自然主义；无论注入多么诗意的情趣，意境也并非轻易生成，此概念正是从这一认识出发。对此，荀子曾言：“君子知夫不全不粹之不足以为美也。”能够呈现不可描绘之境，正是中国绘画美学永恒的课题。
当代中国绘画在现实主义与表现主义的二元结构中发展而来，中国的当代绘画也接纳了形式主义美学，不断追求“有意味的形式”。然而，王舒野并不归属于任何一个领域，而是持续向“无可绘”的绘画发起挑战。
这位艺术家的作品既非现实主义，也非表现主义，而是预设了根本且哲学性的前提，对事物（存在与关系）进行极为细致的凝视，并以绘画加以表征的“哲学绘画”。有时也可将其艺术世界的特性称为“表现性梦幻主义”（expressive illusionism），但并不止于此。艺术家从根本哲学的前提出发。我们通过看、听、尝、触而感知到的一切感官，即所谓“五蕴”之色受想行识，是认知的固有能力。然而我们的能力并非完满，而是人类的再现能力。
他所描绘的是事物的本质。也就是说，他试图以思维描绘出超越人类能力、事物本质所安身的那个位置。艺术家将此解释为“即于事物”。他几乎为所有作品都命名为《时空裸体·即》，以此表明要在绘画世界中呈现时空本质的意志。这也是他以当代绘画语言追求“无可绘”绘画的长期项目。艺术家通过这些新作，以独创的方式，为自20世纪50年代出生的一代冷漠现实主义绘画之后始终未能找到新出路的中国当代绘画，提出了一条在哲学性与思辨性中追求绘画深度的发展方向。展览至本月28日，在首尔钟路区三清路学古斋举行。
▲Hong Boram个展《存在着——慰藉的形态》= Hong Boram个展《存在着——慰藉的形态》正在Art Link举行。本次展览是由艺术经营支援中心“2023预备签约艺术家支援”项目策划而成。
艺术家从大自然中汲取灵感，将自2008年起持续进行的抽象创作，以与自然的情感交流为基础，围绕自身对存在与关系的提问，逐步在“存在着”这一主题下完成一段寻找答案的旅程。
![“终于还是跨境了”既无疫苗也无药物…蔓延中的“变异埃博拉”[读懂科学]](https://cwcontent.asiae.co.kr/asiaresize/93/2026052019230771274_1779272587.jpg)
展览由20件作品构成，这些作品以艺术家在纸张、画板等平面上描绘的近似自然的形态为原型，经过两年多的雕刻与打磨，转化为可被手触及、似乎自墙面隆起、能够自我存在的浮雕形态。艺术家表示，当人们怀抱在各种人际关系中遭遇的提问，在自然中漫步时，自然终会以一种整合性过程的方式，向我们展示这些问题的答案。积淀在心中的自然形态，以慰藉的形态向艺术家靠近，而她也补充说，正是希望与在情感与精神冲击之中仍努力生活的自己及身边的“我们”分享这种慰藉，才开始进行这组创作。
![慰藉的形式 20230720。 [照片由作者提供]](http://www.asiae.co.kr/news/img_view.htm?img=2023100122045393237_1696165493.jpg)
主修西洋画的艺术家一直对自然的、会“呼吸”的材料心怀渴望。本次展出的作品以木材为主要材料，是她在寻找新创作方式的过程中，从一位同住的韩国画家那里获得建议，使用阿胶与胡粉完成的。黄昏薄暮时映入眼帘的山丘，那些在黑暗中仍保有丰富色彩故事的存在本身之形象，在这些黑色作品中显露无遗。对艺术家而言，黑色是一种将存在之形本身凸显出来的清晰感。经过漫长时间、在完全专注之下通过重复而缓慢的过程创作出的二十件作品，如同漂浮在海上的岛屿，又如同共同存在的“我们”，彼此交织，为观众奉上一段关于慰藉的叙事。展览至本月10日，在首尔钟路区三清路Art Link举行。
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