▲停战70周年纪念展：画家Im Gunhong = 画廊“艺画廊”为纪念停战70周年推出“画家Im Gunhong”展，展出Im Gunhong在20世纪30至50年代创作的120余幅绘画作品。
画家Im Gunhong（1912~1979）是位北上画家，在韩国国内几乎被遗忘。20世纪30至40年代，他曾在首尔、北京、天津、新京（满洲国首都，今长春）等地举办过画展。中日战争（1937~1945）最激烈之时，他作为一名居住在武汉的朝鲜画家，过着仿佛“时间旅行者”般的人生。
他出生于首尔一个相当富裕的家庭，但在十多岁时家道急转直下，早早成为少年家长。小学毕业后，他放弃学业，在由外祖家亲戚经营的牙科医院做技工，与绘画相去甚远。促使他走上艺术道路的，是他在主教公立普通学校结识的Kim Jongtae和Yun Huisun。通过与朝鲜美术展览会诞生的明星画家，以及以作家和评论家身份活动、备受尊敬的美术人士相遇并受到他们的影响，Im Gunhong在小学毕业后也没有放弃成为画家的梦想。一边从事谋生工作，一边挤出时间学习油画并上夜校。
1936年，他与在做牙科技工时结识的护士Hong Usun（1915~1982）在历经5年热恋后结婚。早在结婚之前，Hong Usun就已作为半裸模特出现在Im Gunhong的作品中，是一位大胆的“新女性”。Im Gunhong于1937年入选朝鲜美术展览会的作品《少女像》也以妻子为模特。
此后，Im Gunhong在从事美术创作的同时，开始寻找能赚钱的工作，并创办了与设计相关的事业。事业蒸蒸日上，他开始憧憬进军中国，最终在战火纷飞的武汉扎根。虽然赚到了钱，但在中日战争正酣的武汉，他所目睹的现实却极为惨烈。他以画作留下了胸口受伤、赤身裸体的女子，以及患麻风病在街头游荡的行旅病人的悲惨身影。朝鲜光复、中国内战全面爆发之际，Im Gunhong返回首尔。1946年回国后，他创办了广告、设计和印刷公司。
然而，一件意想不到的事情却绊住了他的脚步。1948年初，他因在交通部新年日历制作中使用了Choi Seunghee的照片而被逮捕。世界级舞蹈家Choi Seunghee早在1946年7月就已与身为左翼人士的丈夫An Mak一同北上。或许他只是想借人气模特制作日历，但却因这一政治问题而身陷囹圄数月。“左翼”的烙印最终将他推向了北方。就这样，这位被我们遗忘的作家，借由本次展览再次被人呼唤，回到观众面前。展览持续至9月26日，地点为首尔江南区狎鸥亭路12街“艺画廊”。
▲斗山策展人工作坊策划展“#2” = 斗山画廊举办策展人培养项目“斗山策展人工作坊”的策划展“#2”，展期至8月30日。本次展览由“斗山策展人工作坊”第12期参加者Image、Lee Mina、Lee Minju共同策划。
本次展览从在戏剧文本所描绘的时空中共同阅读出发，捕捉由“展览”这一事件所引发的戏剧性瞬间。Bae Haeryul的戏剧既指向现实事件，又想象虚构空间，成为构筑本次展览的共同种子与思考的支撑体。Kwak Sojin、Rie Nakajima、Lee Kyungmin、Jung Cheolgyu则回应这一文本开放的结构，以其中某个场景为线索，捞取各自关注的时间碎片。他们的创作以各自的语言与节奏穿行于不同的时间带，不断改变展厅的风景。
戏剧以共同创作的过程为前提，经由他者发声并上演，是一种在同一时点上横贯多重时间与空间、生成有机图像的叙事形式。“#2”借用戏剧的语法，追问作为可见场所而存在的展览，会推动怎样的“凝视”行为。展览邀请观众在面对自文本出发的一系列图像时，回想起那部尚未阅读的文本。同时，还试验承担“观看”行为的展览之“身体”，如何与作品的“身体”发生运动，并将彼此牵连成另一个场景。
展览能成为一个“事件”吗？从一个场景出发去想象事件而呈现出的四位艺术家的图像，是在再现文本所承载的事件，还是在引发另一场事件？“#2”通过被摘取的风景，打散戏剧所具有的特定事件叙事，引导观者脱离一个被完成的故事。由此，它追问我们如何为图像赋予叙事，以及在“展览”这一特殊时空中，究竟可能发生何种事件。展览持续至8月30日，地点为首尔钟路区钟路33街斗山画廊。
▲Chae On个展“FULL BLOOM” = Pyo画廊自8月3日至30日举办Chae On个展“FULL BLOOM”。Chae On在2015年举行的首届首尔艺术财团作品集博览会上获得最优秀奖，其实力由此得到认可。
艺术家试图挖掘绘画的可能性，又试图将其重新隐藏起来。他的作品在提供丰富经验的同时，颠覆了关于绘画本质的讨论。他尽量不把脑海中的念头完整地搬到画布上，而是创作出可凭直觉感受的图像。在不将自身目标赤裸呈现的前提下，摆脱任何习惯性知识或陈词滥调，去描绘即兴而偶然的瞬间。
不知从何时起，“花”开始在艺术家的创作世界中成为主要母题。从《绿色风景》《水之呢喃》开始，他不断描绘自然，随后又将关注投向更为具体的自然物。最终，画布上被“盛放”的花朵填满，延展出难以估量尽头的无限空间。
![《Green Flowers 2021-2023》 布面油画 80.3×116.8厘米 [图片由 Pyo Gallery 提供]](http://www.asiae.co.kr/news/img_view.htm?img=2023073107215124270_1690755711.jpeg)
出现在艺术家作品中的花，承载着对某种不可捉摸之物的渴望，以及希望与虚无的情感。作品中的花是对环绕在艺术家身边所有人的一种代称，它们脱离现实植物的特性，化为画布上的颜料。这也可以视为他为使无法永恒之物变得永恒而进行思索的结果。
对于永恒性的思考，在出现人物形象的作品中同样持续。这些人物仿佛是试图脱离现实物质性、趋近永恒的存在象征，表现了人类本质上的有限性以及由此带来的心理苦闷、接受与自暴自弃、克服与升华。同时，也折射出艺术家本人在内的人类身份认同的思考。
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艺术家的创作目标并非呈现“看得见的东西”，而是呈现“看不见的东西”。这些作品会根据创作意图、既有惯例以及观众的知觉与情感，生成多样的解读。展览持续至8月30日，地点为首尔钟路区紫霞门路Pyo画廊。
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